L'histgeobox dispose désormais d'un podcast diffusé sur différentes plateformes (n'hésitez pas à vous abonner). Ce billet fait l'objet d'une émission à écouter via le lecteur intégré ci-dessous:
En 1494, Christophe Colomb débarque dans ce qui est
aujourd’hui la Jamaïque. Les populations autochtones – Arawak ou Taïnos - sont
rapidement exterminées. Les Espagnols sont chassés par les Britanniques 1655.
Une société esclavagiste basée sur la culture de la canne à sucre se met en
place, un système d’exploitation particulièrement dur dans lequel l’espérance
de vie moyenne est de 8 ans. Cette mortalité implique un approvisionnement
constant en esclaves africains. Entre le XV° et le XIX° siècles, la Jamaïque devient
une des principales têtes de pont de la traite négrière atlantique. Environ 1M
d’esclaves y auraient été débarqués, faisant de l’île une des colonies de
plantation les plus lucratives des Caraïbes. Dans «Columbus ghost», le
dub poet Mutabaruka convoque le fantôme de Colomb, dépeint comme une créature
cynique et détestable. On perçoit en arrière-plan des bruits de houle et le
grincement du bateau.
WeGioCla, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Lors de la prise de l’île par les Anglais en 1655, les
Espagnols libèrent leurs esclaves. Ces évadés, appelés Marrons,
résistent au joug anglais pendant des siècles. Réfugiés dans les zones
difficiles d’accès de l’intérieur des terres, ces communautés contribuent à perpétuer
des éléments culturels africains, en particulier les tambours burus. Au XX°
siècles, les rastas introduisent cet instrument dans leur
musique liturgique. Le grand maître des percussions, Count Ossie, ici
accompagné de son Mystic Revelation of Rastafari interprète 400 years. « Comme des étrangers nous
sommes venus / La traite négrière était un jeu / Et depuis ce jour nous ne
connaissons pas même notre nom. Il faut se rappeler de notre héritage et de
tout ce qu’ils firent à nos mères et pères. »
Les références à l’esclavage historique sont très présentes. Les
sordides conditions de travail dans les plantations font l’objet de
descriptions. En 1975, dans Slavery
Days (que nous venons d’entendre, le groupe Burning Spear interroge son
auditoire : « Te
souviens-tu des jours de captivité ? Comment ils nous frappaient ?
Comment ils nous faisaient trimer? Dans « Black history » (1978), Hopeton Lindo enfonce
le clou : « 400
ans que nous sommes ici en tant qu’esclaves / à travailler dans les champs / Et
tout au long de cette période et jusqu’à maintenant, nous ressentons les coups
de fouets.»
L’essor des idée abolitionnistes, la multiplication des
révoltes d’esclaves contribuent à l’abolition, en 1838. Lorsque la Jamaïque accède
à l’indépendance en 1962, on estime que la population insulaire est composée à
90% d’afro-descendants, dont les ancêtres ont été déportés dans le cadre de la
traite négrière. Alors même que l’esclavage structure l’identité nationale
jamaïcaine, les autorités coloniales britanniques passent cette période
traumatique sous silence.Avec
l’indépendance, la thématique de l’esclavage et l’évocation du martyr des
ancêtres s’impose dans la culture populaire, en particulier dans le reggae
roots. Ce genre, qui apparaît au cours des années 1970 dans un contexte de
pauvreté et de violences, est une musique mystique, engagée, consciente,
chargée de transmettre le message rasta.Exemple avec le titre « Going back home» d’Al & the Vibrators, qui
réclame le rapatriement vers l’Afrique.
Certains objets caractéristiques de l’oppression et de la
souffrance esclavagiste reviennent fréquemment comme le fouet, le bateau
négrier, les chaînes. Dans Slave driver, Bob Marley chante : « A chaque fois que
j’entends le claquement du fouet / Mon sang se glace / Je me souviens comment
ils brutalisèrent nos âmes sur le bateau négrier.» Junior
Delgado renchérit « On nous a emmené sur un navire, et ce fut dur / Tout ce que nous
pouvions sentir était l’oscillation du fouet. »
Les conséquences immédiates et plus lointaines de l’esclavage
sont clairement identifiées. Dans Slave Market, Gregory Isaacs s’adresse au négrier, dont il
fustige la cruauté. lui
annonçant que l’heure de comptes va sonner. «Je t’ai vu avec ta
cargaison, au milieu de l’Atlantique avec mes frères et sœurs conduits vers le
marché négrier occidental. / Et cela me bouleversait tant / Tu en tues, tu en
vends / Tu tires sur certains, en emprisonne d’autres, brutalement / »
Après avoir indiqué leur fierté d’être des descendants
d’esclaves, The Abyssinians insistent dans African race sur la séparation des fratries, mais
aussi sur l’incapacité de communiquer, en raison de la diversité des
populations razziées. « Nos ancêtres ont été déportés / Ils furent embarqués sur des
navires, enchaînés tout au long du voyage, comme des bagages et conduit vers
l’ouest / Ils ont échangé mon frère et ma sœur contre un verre de vin, / Je
parle Amharic, ma sœur parle swahili, ils nous mis ensemble, c pourquoi nous ne
pouvons pas nous comprendre. »
Un chiffre revient également très souvent : 400. Il correspond
grosso modo à la période de la traite atlantique (fin XV°-début XIX°), mais c
aussi une référence à un extrait de la Genèse dans la Bible, où on peut
lire : « L’Éternel dit à Abraham :
« Sache que tes descendants seront étrangers dans un pays qui ne sera pas
à eux. On les réduira en esclavage et on les opprimera pendant 400 ans. »Peter Tosh intitule un de ses morceaux « 400 years ». Culture dans « Slave
call» mentionne cette durée. « Comme tu dois le savoir, ils nous ont arraché à notre terre
il y a 400 ans de cela / Ils nous ont contraint de travailler sur leurs
plantations, avec les chaînes de l’esclavage dans nos mains.»
Les artistes reggae identifient les responsables de
l’oppression. Dans Christopher
Columbus, Ken Boothe nomme John Hawkins, un des premiers négriers
anglais, mais c’est surtout Christophe Colomb qui devient l’initiateur de la
traite négrière. « Il
y avait un gars venu d’Espagne / Christophe Colomb était son nom / il a gagné
sa renommée aux Antilles / Beaucoup de Noirs / ont sombré » Plus
loin, il poursuit : « Sur leurs corps, tu as mis un prix / Et les a vendus
comme des marchandises. Comment un homme peut-il découvrir une terre / Qui est
déjà peuplée d’Indiens ?»
Esclavage permanent. Si l’esclavage
est une époque révolue, la société jamaïcaine en porte néanmoins toujours les
stigmates, ce que rappellent les morceaux de reggae. Pour beaucoup, l’esclavage
perdure. Il a simplement changé de nature. Les conditions de vie déplorables
continuent d’entraver les populations. Pour les rastas, tant que les
descendants d’esclaves ne seront pas rentrés en Afrique, qu’ils considèrent
comme la terre-mère, ils resteront à Babylone. Philip Fraser «Still in slavery » «Même
si nous n’avons plus de chaînes et de fers aux pieds, nous ne sommes pas
libres.»
Si les fers n’entravent plus les corps, les chaînes restent
mentales. Dans Slave driver, Marley chante : « Aujourd'hui ils disent que
nous sommes libres/ Mais on est pris dans la pauvreté ». Dans
Still in chains, John Holt clame «
Je suis Noir et
toujours enchaîné ». Sur la pochette du disque, on le voit torse nu et
pris dans des fers.
[On parle très peu des marrons, des figures
ambivalentes. Ils sont certes les résistants, mais après avoir signé les
accords, ils s’engagent à renvoyer les fuyards. Il faut dire que les autorités
britanniques n’enseignaient absolument pas cela aux jeunes jamaïcains. Les
héros nationaux (Sam Sharpe), l’émancipation de 1838 sont très peu mentionnés.
]
Au fond, les structures économiques n’ont jamais été
renversées. Les héritiers des familles de planteurs restent riches et
puissants. Les révoltes se sont succédé, mais il n’y a pas eu de révolution
en Jamaïque. Alors quelle attitude adopter ? Essayer de se reconstruire
malgré tout. Dans leur superbe Declaration of rights, Après avoir dépeint les horreurs du temps
des plantations, les Abyssinians lance une adresse à l’auditoire : « Levez-vous et combattez
pour vos droits ». Dans la logique des rastas, le châtiment
divin s’abattra sur les responsables de la traite. Gregory Isaacs rappelle ainsi
que l’heure des comptes s’approche pour le négrier de Slave Market.«Mais quel prix tu devras payer quand viendra le
jugement de Jah? Aucun méchant ne peut s’échapper.»De même, le
Slave master peut
trembler car comme le lui rappelle Bob Marley: «Marchands d'esclaves, le vent a tourné Si tu attrapes
le feu, tu peux te bruler.»
L'histgeobox dispose désormais d'un podcast diffusé sur différentes plateformes (n'hésitez pas à vous abonner). Ce billet fait l'objet d'une émission à écouter via le lecteur intégré ci-dessous:
Au début des années 1950, une
importante communauté latino vit à New York. Arrivés à la faveur
de différentes vagues migratoires, fuyant l'extrême misère, les
révolutions ou l'insécurité, ces immigrés sont principalement originaires des Caraïbes. Les Portoricains sont les plus nombreux.
Devenus Américains en 1917, ils n'en restent pas moins des citoyens
de seconde zone. Les lois sur l'immigration de 1965 voient également
affluer des Dominicains, Mexicains, Panaméens, Cubains. Ces
populations résident dans les quartiers les plus déshérités de
New York : le sud du Bronx et l'est de Harlem. La vie est rude
dans le barrio. Pour tenir, ils se réfugient dans leur culture
d’origine, et en particulier la musique. De nombreux dancings
ouvrent leurs portes.Le plus connu se nomme le Palladium. De grands
orchestres y popularisent les rythmes cubains (mambo, cha-cha-cha) au
cours des années 1950.
Neodop, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
En 1959, à Cuba, Fidel Castro et ses
barbudos chassent le dictateur Battista et s'emparent du pouvoir. Les États-Unis placent bientôt l'île sous embargo. Cuba cesse alors
d’être la place forte des musiques latines, statut désormais
assumé par NY. Les musiciens latinos y forgent progressivement une
musique hybride, qui puise ses influences à la fois dans les rythmes
caribéens (son, mambo, chacha cubains, merengue dominicaine, bomba
et plena portoricaines), mais aussi dans les musiques
afro-américaines (jazz, soul). A la fin des années 1960 apparaît
le boogaloo (« I
like it like that» de Pete Rodriguez)
Une nouvelle musique émerge peu à
peu. Jouée par les percussions (congas, bongos, timbales), la clave
sert de repère rythmique syncopée aux pas des danseurs. Les
instruments utilisés comme le güiro ou les maracas témoignent des
emprunts aux différents folklores caribéens, mais les jeunes
générations innovent en introduisant la basse électrique, le
synthétiseur, le trombone. Un instrument mis à l'honneur dans le
titre la Murga.
Le barrio des années 1960 abrite une
densité phénoménale de musiciens exceptionnels. Parmi eux se
trouve Willie Colon. Né dans le Bronx de parents portoricains, ce
jeune tromboniste prodige produit une musique abrasive. Les
enregistrements de celui que l'on surnomme El Malo, « le
méchant », reflètent la dureté des conditions de vie du
ghetto. Il chante « Je
suis le méchant / parce que j'ai un cœur ».
Très vite, Colon tape dans l’œil de
Johnny Pacheco, multi-instrumentiste talentueux et compositeur
brillant, originaire de Saint-Domingue. Frustré de ne pouvoir
trouver une maison disque à la hauteur de son talent, Pacheco fonde
en 1964 la Fania records avec l’avocat italo-américain Jerry
Masucci. Au premier le volet artistique, au second le business. Fania
réunit bientôt les musiciens les plus doués de la ville : le
claviériste Larry Harlow, le bassiste Bobby Valentin, le conguero
Ray Barretto, mais aussi des chanteurs capables d'improviser comme
Ismael Miranda, Hector Lavoe, Cheo Feliciano.
La musique jouée par tous ces talents
n'a pas encore de nom, mais les différents ingrédients sonores qui
la compose donnent du liant, comme la sauce donne son caractère à
un plat. L’appellation salsa s'impose peu à peu pour désigner cette
musique de danse aux rythmes endiablés, une musique qui revendique
fièrement ses racines et sa culture de rue. Le 26 août 1971,
Masucci a l'idée d'organiser un grand concert filmé à la gloire de
la salsa au Club Cheeta. 'Our latin thing : Cosa nuetra',
c'est son nom, obtient un immense succès, qui fait de l'événement
l'acte de naissance officieux de la salsa.
Dès lors, la Fania connaît
un essor prodigieux et finit par exercer un quasi monopole sur la
salsa. Les stars de la maison de disques se produisent désormais en
groupe sous le titre de Fania All stars. Sur scène, les musiciens
improvisent, instaurant un dialogue avec l'auditoire, jusqu'à
atteindre un paroxysme sonore. Le 24 août 1973, 50 000 spectateurs
assistent à un concert géant au Yankee Stadium de New York. Au bout
de quinze minutes de concert, le public franchit les barrières,
envahit la pelouse et se précipite vers la scène. Peu importe, les
étoiles de la Fania tournent désormais dans le monde entier. En
octobre 1974, ils se produisent ainsi à Kinshasa, dans le cadre du
« combat du siècle » entre Mohamed Ali et George
Foreman. Sur scène, la chanteuse cubaine Celia Cruz interprète
Quimbara. Les
percussions, les cuivres incendiaires constituent un écrin sonore à
la hauteur de cette véritable reine de la salsa.
Tout au long des années 1970, la
salsa témoigne du processus d'affirmation identitaire des latinos
new-yorkais. Les textes des morceaux chroniquent la vie de quartiers
déshérités, ces ghettos où violence et trafic de drogue sévissent
sans partage. Les titres font souvent l’éloge du voyou, du cador
hâbleur, frimeur, sapé de manière ostentatoire. Le plus célèbre
de ces personnages, inventé par le chanteur panaméen Ruben Blades a
pour nom Pedro Navaja
(1978). Le texte, très travaillé, tient l’auditeur en haleine.
« Pedro Navaja porte,
incliné, un chapeau à larges bords et des espadrilles pour
s’envoler, en cas de problèmes ; des lunettes noires, pour
qu’on ne sache pas ce qu’il regarde et une dent en or, qu’on
voit briller quand il rit. »
Dans une Amérique toujours dominée
par les WASP, la salsa est une manière de clamer en rythmes sa
différence. Dans le contexte déprimé du ghetto, elle insuffle un
sentiment de fierté, célébrant les barrios et leur négritude. A
l'occasion, les titres se font revendicatifs, dénonçant les
pratiques discriminatoires à l'encontre des Portoricains. Sur un
morceau d'Eddie Palmieri intitulé Revolt
La Libertad Logico, Ismael Rivera chante : « La
liberté, Monsieur, ne me l'enlève pas. Moi aussi, tu sais, je suis
humain. Et c'est ici que je suis né. »
C° Au fond la salsa, « c'est
une frangine portoricaine qui vit dans le spanish harlem, les reins
cambrés au bon endroit. Elle est superbe, c'est la salsa. »
(Titre Salsa enregistré par Bernard Lavilliers avec Ray
Barretto), une frangine qui est parvenue à fédérer au cours des
1970's toute l'Amérique hispanophone, réalisant enfin le vieux rêve
de Bolivar. Une frangine installée à Nueva York, mais qui a essaimé
partout, et notamment en Colombie
Également victimes de la ségrégation,
les Portoricains se rapprochent du combat des Noirs américains. Sur
le modèle des Black Panthers, il se dote de leur propre
organisation: les young lords, particulièrement actifs de 1968-1973.
Le barrio s'embrase. Les poubelles débordent. Les youngs lords y
mettent le feu. C'est l'offensive citoyenne des poubelles de 1969.
Ils mettent en place des programmes sociaux (distribution gratuite de
petits déjeuners, bilans de santé, collecte de vêtements). Eddie
Palmieri organise des collecte de fonds pour des organisations
militantes.
Au cours de la guerre froide, les autorités soviétiques ne savent trop que faire de la musique populaire, surtout quand elle n'adopte pas la terminologie communiste. Staline se méfiait particulièrement du jazz. "Du saxophone au
couteau, il n'y a qu'un pas", affirmait-il. L'émergence, puis l'essor du rock suscitèrent un même rejet initial. Les
dirigeants s'inquiétaient tout particulièrement de la communion susceptible de naître entre la
scène et l'auditoire. Le
rock occidental, incarnation de la rébellion adolescente, fut rapidement prohibé, les disques interdits, les ondes des radios de l'ouest brouillées (BBC, Voice of America). Pour contrer les interdictions, les disques se vendaient sous le manteau, au marché noir, si bien qu'en dépit de la censure, comme presque partout ailleurs, la musique rock
parvint à se frayer un chemin jusqu'aux oreilles des citadins
soviétiques au cours des années 1960. Pour les jeunes, le mouvement pop était vu comme une contre-culture subversive. On ne parlait
alors pas de "rock", mais de beat. Des formations pouvaient se produire sous
l'étiquette d'"ensemble vocal et instrumental" à la condition de
jouer une musique sage, de se couper les
cheveux,de s'habiller correctement, de diffuser un message positif et
constructif énoncé en russe. A ces conditions, il était possible de
devenir professionnel et de participer à des tournées officielles
subventionnées. Au sein des démocraties populaires d'Europe de l'Est, la musique rock se diffusa un peu plus facilement qu'en URSS, en particulier en Pologne et en Tchécoslovaquie. En avril 1967, les Rolling Stones donnèrent un concert à la Maison de la culture de Varsovie, devenant le premier groupe rock occidental à se produire dans le bloc socialiste. (1) En 1969, les Beach Boys se produisirent à Prague. Cela dit, même en URSS, la consommation de musique populaire s'accrût au cours des années 1970 comme le prouve l'extraordinaire popularité d'un groupe de Deep Purple ou de l'opéra rock "Jésus Christ Super Star". Incapables de contrer l'engouement pour les musiques occidentales et craignant l'essor des tentations religieuses et nationalistes au sein d'une partie de la jeunesse, les autorités soviétiques soutinrent l'essor de discothèques placées sous la surveillance des komsomols locaux. Les instances dirigeantes envoyaient parfois des listes de "groupes idéologiquement dangereux" à ne pas diffuser. Dans les faits, les organisations de jeunesses locales passaient outre ces injonctions. Au début des années 1980 pourtant, l'accession au pouvoir d'Andropov s'accompagna d'une virulente campagne anti-rock, avec l'interdiction quasi-totale des concerts amplifiés.
* Moscow Music Festival.
La situation se décanta finalement avec l'accession au pouvoir de Gorbatchev en 1985, dont la glasnost et la perestroïka remettaient en cause le statu quo.Le nouveau
dirigeant soviétique faisait preuve d'une plus grande ouverture d'esprit
que ses prédécesseurs et semblait prêt à lâcher du lest, comme tendaient à le démontrer la tenue de grands concerts de groupes rock occidentaux en URSS et dans les pays satellites (Queen à Budapest en 1986). Le plus important de ces rassemblements eut lieu au stade Lénine de Moscou, les 12 et 13 août 1989. Le Moscow Music Peace Festival témoignait du rapprochement entre les deux blocs. A l'origine du projet se trouvaient deux producteurs en vue, l'un américain, l'autre soviétique. La
coopération des deux entrepreneurs s'inscrivait dans le
cadre d'un programme commun américano-soviétique de lutte contre la consommation et le
trafic de drogues. Les parcours professionnels chaotiques des deux hommes les conduisirent à entrer en contact et à coopérer. Côté américain, Doc McGhee avait été condamné en 1982 pour avoir fait passer 18 tonnes de marijuana en
Amérique du Sud. Afin de se racheter une conduite, il créa une
fondation de lutte contre la drogue intitulée Make A Difference Fondation. Côté
soviétique, après avoir subi
le contrôle tatillon des autorités et les descentes régulières du KGB, le musicien et producteur Stas Namin profita de l'avènement de Gorbatchev pour organiser des spectacles ambitieux. L'organisation du festival constitua une vraie gageure, compte tenu de la pénurie générale qui sévissait alors en URSS. Certes, des artistes occidentaux tels qu'Iron
Maiden, Bonnie Tyler ou Scorpions (2) s'étaient déjà produits à l'est les années précédentes, mais, par son ampleur, le
festival constitua une grande première. L'affiche rassemblait Mötley Crüe,
Bon Jovi, Skid Row, Cinderella, Ozzy Osbourne, Gorky Park et Scorpions. MTV diffusa
l'événement dans 59 pays. "En rentrant à la maison, nous avions le sentiment d'avoir vu le monde changer sous nos yeux", constatait Klaus Meine, le chanteur de Scorpions. Quelques jours après son retour de Moscou, le changement d'atmosphère perceptible lui inspira Wind of
change.
АНО «Центр Стаса Намина» / CC BY-SA (https://creativecommons.org/licenses/by-sa/3.0)
* Le vent du changement.
Le groupe Scorpions fut fondé à Hanovre, RFA, en 1965. Après des débuts confidentiels, la formation connut le succès avec des titres de hard-rock
commercial chantés en anglais. Still loving you s'imposa par exemple comme le slow de l'été 1984 dans toute l'Europe, y compris à l'Est. Cette popularité incita alors le groupe à venir s'y produire. En 1988, un des concerts donnés à Leningrad fit l'objet d'un enregistrement vidéo intitulé To Russia with love. L'année suivante, les Allemands triomphaient sur la scène du Moscow Music Peace Festival, dans un contexte déjà très différent de celui de l'année précédente. «Tout cela arrivait parce qu’au Kremlin, il y avait Mikhaïl
Gorbatchev. Pour nous, après ce que nous avions vécu un an plus tôt, où
nous n’avions même pas le droit de jouer à Moscou, c’était
extraordinaire. Le monde changeait sous nos yeux. L’ambiance était
incroyable. Quand nous avons joué, les soldats ont jeté leurs casquettes
en l’air, leurs vestes, ils ne faisaient plus qu’un avec les fans, et
il y avait 100 000 fans. Le lendemain aussi. Emballer le stade Lénine et
en faire le stade russe de Woodstock, vingt ans après l’original,
c’était fou», se souvenait quelques années plus tard Meine.
La liesse populaire soulevée par le festival inspira aussitôt une chanson au groupe, une sorte de réflexion sur la guerre froide finissante. Dans un entretien accordé à Libération, le chanteur de Scorpions racontait ainsi la genèse de Wind of change: «Il y avait tous ces musiciens, des journalistes du monde entier, de MTV, du Spiegel,
des soldats de l’armée russe… Ensemble nous avons descendu la Moskova
vers le parc Gorki [le 13 août 1989, alors que le festival s'achevait]. C’est le moment qui a inspiré la chanson, où je
chante "I follow the Moskwa, down to Gorky park…" Beaucoup de jeunes
m’ont dit : "Klaus, la guerre froide est bientôt révolue". Les fans
venaient de tous les pays d’Europe de l’Est, même de RDA. Alors que nous
n’avons jamais eu la chance de jouer en RDA… Quand je suis rentré à la
maison, j’ai repensé à ce moment sur la Moskova avec tous ces gens, de
nations différentes, dans un même bateau, parlant la même langue, la
même musique, et c’était ça, l’inspiration.» "Une nuit d'été d'août, / des soldats défilent / tout en écoutant le vent du changement."
Wind of change figure sur l'album Crazy World, sorti en novembre 1990. Le titre n'est toutefois publié en single qu'en janvier 1991, plus d'un an après la chute du mur. C'est donc a posteriori que le morceau sera érigé en «chanson emblématique de la chute du Mur». (source C) Dès sa sortie, le titre connaît un succès considérable. Plusieurs éléments expliquent ce triomphe. Le sifflement mélodieux inaugural impose d'emblée une écoute attentive du morceau; redoutable ver d'oreille, il entre aussitôt dans la tête de l'auditeur pour ne plus en sortir avant de longues heures. Puis, une discrète guitare solo se fait entendre en arrière plan, installant une atmosphère intimiste, propice à la méditation.
La voix légèrement éraillée de Meine s'élève alors, grave et majestueuse. La batterie fait son apparition et le volume monte crescendo afin de renforcer l'effet dramatique du morceau. Dès lors les riffs de
guitare s'enchaînent. Le tempo lent, les paroles simples et fédératrices incitent le public à reprendre la chanson en chœur, lui conférant une puissance supplémentaire. Enfin et surtout, en pleine réunification, le message porté par la chanson correspond aux aspirations d'une population allemande lassée de quarante années de séparation et de tensions. "Le
vent du changement / souffle droit dans le visage du temps / tel une
tornade qui sonnera les cloches de la liberté. / Pour la sérénité de
l'esprit / laisse ta balalaïka chanter / ce que ma guitare veut exprimer."
Le titre tombe donc à point. Un brin cheesy, il n'en devient pas moins un
hymne à la paix, la trame sonore officieuse du délitement du bloc de l'Est.Wind of change trône d'ailleurs toujours au sommet des palmarès
lorsque l’URSS implose, le 26 décembre 1991. Cette année là, avant que Gorbatchev ne quitte son poste au Kremlin, les membres de Scorpions le rencontrent et lui remettent une plaque sur laquelle sont inscrites les paroles du morceau. Dès lors, à longueur d'interviews, les musiciens rappellent leur attachement au dernier dirigeant de l'URSS. "Sans lui, la réunification et surtout le 9 novembre n'auraient pas été si pacifiques", soulignent-ils par exemple. En 2011, à l'occasion du 80ème anniversaire de Gorbatchev, les Scorpions interprètent Wind of change en version philharmonique.
On pensait tout connaître de la chanson, jusqu'à ce que Patrick Radden Keefe, journaliste au New Yorker, consacre en 2020 une série de podcasts à Wind of change. Selon lui, la chanson aurait été
composée par la CIA en
collaboration avec le chanteur de Scorpions. Leur but commun aurait été d’encourager la révolution dans le bloc communiste au tournant des
années 1990. Pour accréditer sa thèse, l'enquêteur insiste sur l'intense propagande culturelle orchestrée par l'agence de renseignement américaine au cours de son histoire. (3) Au bout du compte, la démonstration de Radden Keefe ne convainc guère. Quelle soit l’œuvre du groupe ou de la CIA, la ballade de Scorpions arrive un peu tard pour peser véritablement sur les événements. Quant à imaginer que le secret de l'opération ait pu être gardé pendant 30 ans, il y a un pas...Au fond, comme le rappelle Pierre Grosser, le démantèlement progressif du rideau de fer procède d'abord des failles internes au bloc soviétique. "Le
9 novembre fut (...) moins le produit des actions de l'Ouest, que la
conséquence des impulsions de Gorbatchev, des mobilisations croissantes
de citoyens de la RDA, et de l'incompétence des autorités de ce pays,
qu'il s'agisse de la conférence de presse improvisée et des initiatives
des hommes de la sécurité du Mur qui choisirent de ne pas faire usage de
leurs armes après avoir échoué à joindre leurs supérieurs. Les
bouleversements en Europe ont donc été produits par «en bas», même si les
choix faits «en haut» les ont facilités, ou ne les ont pas empêchés.
Les décideurs ont souvent pris acte de situations." (source A p 735)
Dans la postface de son livre (source A), l'historien résume ainsi l'influence (et les limites) de la musique sur la chute du mur de Berlin: «L'appel de Bruce Springsteen à dépasser les barrières, lors de son concert à Berlin-Est, en juin 1988, eut sans doute plus d'effet que le bien trop fameux "Mr Gorbatchev, Tear down this wall" de Ronald Reagan en 1987. D'autant que des dizaines de milliers de jeunes Allemands de l'Est entonnaient "Born in the USA". La transformation d'une ancienne chanson par le héros de K2000, David Hasselhoff, en "Looking for freedom" a eu sans doute plus d'importance que le fameux concert improvisé de Rostropovitch au pied du mur de Berlin. (4) "Wind of Change" des Scorpions fut l'hymne de l'Europe en 1990.»
Notes:
1. Le public ne comprenait toutefois que des membres de la nomenklatura.
2. «En 1988, nous avons joué pour la toute première fois en Union
soviétique. Nous devions faire cinq concerts à Moscou et cinq à
Leningrad. Mais les concerts à Moscou ont été annulés, sans raison. A la
place nous avons eu les dix concerts à Leningrad ! (...) Quoi
qu’il en soit, ce fut pour nous un moment étonnant et émouvant, surtout
en tant que groupe allemand. A l’époque, nous avons dit : nos parents
sont venus ici avec des chars d’assaut et nous, nous venons avec des
guitares. Nous avons été bouleversés par l’accueil des Russes.»
3. Citons le financement de l'adaptation de La ferme des animaux de George Orwell, l'impression et la distribution dans le bloc de l'est du Docteur Jivago de Pasternak ou encore le financement de la tournée de l'Orchestre symphonique de Boston dans le bloc de l'est.
4. Au printemps 1989, le héros de "K-2000" obtient un tube avec Looking for freedom, une reprise d'un morceau de 1978. L'acteur américain est au sommet de sa carrière. Il incarne alors Mitch Buchannon dans la série Alerte à Malibu. David Hasselhoff, dont l'arrière grand-mère était allemande, grimpe en tête des hits parades allemand et suisse au cours de l'été. Le morceau, qui met en exergue la liberté, trouve un écho en RDA. Une fois le mur détruit, l'acteur est l'invité d'honneur de la St-Sylvestre 1989. Il interprète son morceau devant une foule immense massée devant la Porte de Brandebourg.
Sources: A. Pierre Grosser: "1989. L'année où le monde a basculé", collection Tempus, Perrin, 2019. B. Décryptage de la chanson par Coach 21 sur le site de la RTBF. C. "[Berlin 1989] Klaus Meine, chanteur de Scorpions:«Nous étions aux Bains-douches et voilà que le mur s'écroulait", Libération, 9/11/2019. D. "Comment le «Woodstock russe» est-il devenu une réalité en Union soviétique?" [Russia beyond]
Fela Kuti est la figure fondatrice de l'Afrobeat, un genre musical né de la fusion d'éléments puisés dans la culture yoruba, le highlife ghanéen, le funk et la soul américaine. Le très riche répertoire de l'artiste permet une plongée musicale dans l'histoire du Nigéria, ce géant démographique africain dont les riches ressources ont été captées par la puissance coloniale britannique, puis par une oligarchie financière et militaire.
***
Fela grandit au sein d'une famille bourgeoise influente, dont les membres sont de très fortes personnalités. Le grand-père paternel, J.J. Ransome Kuti, est pasteur. Au début du XXème siècle, il entreprend avec succès des campagnes d'évangélisation dans la province de l'Egbaland. Pour convaincre ses futurs ouailles, il accompagne ses prêches à la guitare et devient le "pasteur chantant". (1) Le père, Israël Oludotun Ransome Kuti, dit "Daodu", est un enseignant influent. A la tête de l'Abeokuta Grammar School, il impose des méthodes rigoureuses à ses étudiants auxquels il assène parfois des coups de chicotte. Sa mère, Funimulayo Ransome Kuti (FRK) est une personnalité exceptionnelle. Institutrice, elle développe très tôt une conscience civique aiguisée. A la tête d'un groupe de femmes issues de la bonne société d'Abeokuta, elle considère l'alphabétisation comme une priorité et l'arme indispensable à toute mobilisation. Au lendemain de la seconde guerre mondiale, elle s'oppose aux taxes iniques imposées aux commerçantes par l'Akalé, le roi yoruba à la solde des colonisateurs britanniques. Les manifestations massives organisées par son groupe de femmes réussissent à faire abdiquer le satrape. Pour Fela, elle sera un modèle, une mère courageuse, indépendante, soucieuse de transmettre à sa progéniture des valeurs de résistance.
Portrait photographique de la famille Kuti, au début des années 1940. [Public domain]
Pas facile pour Fela de grandir dans l'ombre d'une famille si prestigieuse. Dans un premier temps, le jeune homme vit en dilettante, indifférent à la situation sociale et politique de son pays. Il suit ses cours en touriste et ne se passionne vraiment que pour la musique. En 1958, il se rend à Londres pour apprendre la trompette classique au Trinity College of Music. Avec son ami Jimo Kombi Braimah et des musiciens venus des Antilles anglophones, il forme un orchestre baptisé Koola Lobitos. La formation tente de créer une musique jazz mâtinée de highlife, un genre élaboré à Accra dans les
années 1920. Lors de ce séjour anglais, Fela rencontre Remi Taylor, une jeune métisse qu'il épouse et avec laquelle il a rapidement deux enfants.
Indépendant depuis 1960, le Nigeria dispose d'atouts certains. Premier producteur d'huile de palme mondial, il est aussi un riche exportateur d'arachides et de cacao. La découverte de gisement de pétrole en 1956, laisse entrevoir de belles perspectives économiques dans le secteur des hydrocarbures. La constitution fait du pays un État fédéral, structuré autour de régions dominées par une ethnie majoritaire: Hausas et Fulanis au nord, igbos à l'est , Yorubas à l'ouest. De vives tensions intercommunautaires éclatent très vite, empêchant l'instauration d'un régime politique stable. En 1966, un groupe d'officier igbos, mécontents des résultats électoraux, renversent le gouvernement et placent l'un entre eux à la tête de l’État. Ce putsch n'est que le premier d'une longue série de coups de force perpétrés par les militaires. A peine arrivé au pouvoir, le général Johnson Aguiyi-Ironsi est assassiné et remplacé par le général Gowon. (2)
Revenons à Fela. En 1963, il rentre à Lagos et s'installe dans une maison que possède sa mère dans le quartier de Mushin. Le musicien se fait embaucher par la Nigeria Broadcasting Corporation, ce qui lui permet de bénéficier d'un accès illimité à la discothèque de la radio nationale. Le jeune homme parfait ainsi sa connaissance musicale, au détriment de son implication professionnelle. Le non renouvellement de son contrat, en 1965, contraint Fela à s'engager davantage dans la musique, dont il espère vivre. A cette fin, il reforme Koola Lobitos en y intégrant des musiciens aguerris comme Tony Allen à la batterie, Tunde Williams à la trompette, Christopher Awaifor au saxo ténor, Henry Coffi aux congas, Lekan Animashaun au saxo baryton... La formation se produit au club de Kakadu dans le quartier de Yaba. Le groupe peine encore à s'imposer et souffre de la comparaison avec les prestations explosives de Geraldo Pino au Stadium Hotel. Dépité, Fela se sent dans l'impasse. Pour prendre du recul, il se rend au Ghana et y trouve un nom pour la musique qu'il rêve de créer: l'Afrobeat, le tempo de l'Afrique. De retour au Nigeria, le musicien se voit confier la gestion du club du Kakadu Hotel, rebaptisé Afro Spot. Koola Lobitos y enregistre l'album Afro Beat on Stage... Recorded live at the Afro Spot. Sur deux titres (Waka Waka et Ako), on y entend les prémisses du style Fela.
En 1969, Fela s'envole avec quelques uns de ses musiciens pour New York. L'accueil est glacial et le groupe peine à trouver des engagements. La troupe tente alors sa chance en Californie. Fela y rencontre Sandra Smith. Membre du Black Panther Party, la jeune femme lui fait découvrir Malcolm X et Eldridge Cleaver. "Comme beaucoup d'Afro-américains à cette époque, Sandra Smith est fascinée par une Afrique mythique, magique, dont elle trouve l'écho à travers le personnage et la musique de Fela. Mais elle reste frustrée de le voir si peu conscient des ravages de la colonisation et de la nécessité pour toutes les jeunes nations africaines, nouvellement indépendantes, de reconquérir leur propre identité culturelle, enracinée dans la richesse ancestrale du vieux continent." (source A p 55-57) C'est donc paradoxalement à des milliers de kilomètres du Nigeria que Fela se découvre une conscience africaniste. Il perçoit avec plus d'acuité les maux qui
ronge son pays. Dès lors, le musicien prône un retour à des valeurs africaines (la pratique
animiste des orishas). Sur le plan musical, le séjour américain semble également bénéfique.
Lorsque Fela rentre au Nigeria début 1970, la guerre du Biafra vient de s'achever. (3) Un vent de changement souffle sur Lagos. La manne pétrolière entraîne la prolifération des chantiers de constructions. Les viaducs de béton enjambent désormais la lagune, dont les rives se hérissent de hauts immeubles. La ville reste néanmoins une anomalie brutale, une mégapole
poussée de manière anarchique, sans planification urbanistique aucune;
une cité portuaire tentaculaire, ville de violence et d'excès où se
côtoient nababs de l'industrie pétrolière et migrants ruraux fraîchement
installés dans d'immenses ghettos aux baraques et étals délabrées.
Fela s'installe dans une maison située dans le quartier de Moshalasi
Mushin. Il y dirige une sorte de communauté, au sein de laquelle il se comporte en gourou ou en monarque semi-éclairé. Toute une faune interlope composée de
dealers de marijuana, de prostituées, se greffe bientôt autour de son
quartier général. Le groupe investit le Club de l'Hôtel Empire qui prend
le nom d'Africa Shrine, un "Temple" dont Fela devient le "Grand
Prêtre". Le public de Koola Lobitos rassemble non seulement les étudiants,
mais aussi les populations nouvellement urbanisées. A cette époque, Fela abandonne le nom de Ransome - un patronyme britannique adopté par son grand père - et devient Anikulapo, "celui qui a la mort dans son carquois".
C'est dans ces années que Fela et ses musiciens donnent naissance à l'Afrobeat. Sur scène, l'orchestre rassemble de quinze à trente musiciens, tous placés sous la férule de l'omnipotent grand maître. D'opulentes sections de cuivres se
mêlent aux guitares, aux orgues et percussions multiples
(dont les maracas shekere). Les musiciens se relaient durant des
concerts marathons, mais ne jouent jamais d'un seul bloc sur scène.
Les morceaux se développent sur des formats longs, correspondant à ce que peut
contenir une face de 33 tours. Les titres
prennent la forme de
développements rythmiques lancinants, propices à la transe. Fela chante et psalmodie des textes
incendiaires, traversés de solos d'orgue électrique ou de saxo alto. Par sa puissance de feu, le genre contamine immédiatement les pays voisins.
En 1971, Koola Libitos devient Africa 70. La formation compte désormais 2 trompettes, 3 saxos, 3 guitares électriques, 4 percussionnistes, auxquels il convient d'ajouter Tony Allen à la batterie et la direction de l'orchestre, ainsi que six chanteuses assurant les chœurs. Cette année là sort l'album Shakara, fruit de l'association avec J.K. Braimah. Les textes de Fela, désormais rédigés en "pidgin english", (4) abordent les thèmes touchant l'ensemble de la société nigériane: les pratiques concussionnaires de l’État, la soldatesque nigériane ou la
morgue de la bourgeoise africaine... "Go slow" dénonce par exemple les embouteillages monstres de Lagos, les comparant à la façon dont le pays est géré. "Gentleman" s'en prend aux Africains qui s'habillent à l'Occidentale. Dans "Je' nwi temi", le musicien affirme que personne ne pourra le faire taire. "Même si la vérité est parfois difficile à entendre, elle reste ce qu'elle est: la vérité." "Why black man dey suffer", toujours en 1971, dénonce les affres du colonialisme. Cette nouvelle liberté de ton agace les autorités. Le 30 avril 1974, une cinquantaine de policiers débarquent chez l'artiste en quête de produits stupéfiants dont la détention entraîne de longues peines de prison. De l'herbe est saisie et Fela emprisonné dans la cellule "Kalakuta" ("vaurien") de la prison d'Alagbon Close. Pour mieux railler ses geôliers, le musicien rebaptise son fief "République de Kalakuta" et compose "Expensive shit", un morceau dans lequel il raconte comment il a avalé l'herbe apportée par les pandores pour le confondre. Demandant à observer la pièce à conviction, il l'ingère. Les policiers n'auront plus qu'à attendre la fin du transit pour tenter de retrouver la drogue dans l'étron fumant. Entre temps, Fela est parvenu à troquer sa crotte avec un codétenu. L'histoire aurait pu en rester là, mais le musicien en fait une chanson et elle est loin d'être merdique. (5)
En novembre 1974, la police met à sac le fief de Fela, ce qui inspire à ce dernier l'album Kalakuta show. Plus la police frappe, plus il crée, plus la répression s'abat, plus elle l'inspire! Entre 1975 et 1977, Fela enregistre 23 albums remplis de chefs d’œuvre comme Yellow fever, Zombie, No agreement, Shuffering and Smiling, Sorrow Tears and Blood, Water get no enemy. Les paroles ciblent les déviances de la société nigériane postcoloniale (Colonial mentality), l'oppression insupportable qu'exerce le pouvoir militaire sur le peuple, la corruption des gouvernants (Monkey banana, Unnecessary Begging), la trahison des élites africaines soucieuses de vivre à l'occidentale en tournant le dos à leur identité africaine (J.D.D. = Johnny Just Drop).
En juillet 1975, deux généraux putschistes, Muhammad et Obasanjo, renversent le régime du général Gowon. La nouvelle junte met en œuvre des réformes populaires et promet de redonner le pouvoir aux civils à l'horizon 1979. Pour des questions de prestige, et pour restaurer l'image dégradée du pays après la guerre du Biafra, les gouvernants nigérians décident d'organiser un grand événement culturel international: le deuxième FESTAC (Festival mondial des Arts Noirs et Africains). Des stars internationales tels qu'Isaac Hayes, Stevie Wonder, Sun Ra, Gilberto Gil, Miriam Makeba se rendent à Lagos. Sollicité, Fela pose des exigences que les autorités ne peuvent accepter. L'artiste fustige ce qu'il considère comme une "pure escroquerie". Pour l'occasion, et afin d'impressionner les visiteurs étrangers, le gouvernement a mis en place une circulation alternée dans Lagos, ordonné le ramassage des ordures qui jonchent habituellement les rues, fait disperser les étals des commerçants ambulants. Fela, qui a décidé de se lancer en politique, annonce la tenue d'un "contre-festac" au Shrine. Dans la foulée, il publie le morceau "Zombie", une violente charge contre la brutalité de soldats assimilés à des morts-vivants. Habitué "à obéir sans réfléchir","Zombie ne pense pas, à moins que tu lui dises de penser." Obasanjo ne tolère plus ces provocations. Prétextant une rixe entre les soldats et des boys de Fela, le dictateur envoie l'armée détruire Kalakuta, le 18 février 1977. C'est à une mise à sac méthodique de la maison que procèdent les militaires. Non contents de détruire les véhicules et les instruments de musique, la troupe frappe, viole les femmes présentes, puis défenestre la mère de Fela. (6) Alors que le saxophoniste est emprisonné pendant un mois, le gouvernement décline toute responsabilité. Officiellement, l'attaque sanglante est attribuée à des "soldats inconnus". Le drame inspire aussitôt à Fela Sorrow, Tears and Blood et Unknown soldier. Dans la première, il dénonce la police et l'armée qui laissent derrière elles "la douleur, les larmes et le sang, leurs marques de fabrique." Sa maison brûlée, ses biens pillés, Fela est également contraint à l'exil au Ghana pour quelques mois. De retour à Lagos, le musicien réinstalle la Kalakuta Republik à Ikeja, reconstruit un nouveau Shrine et annonce la création du Movement of the People en vue des élections d'octobre 1979. Sa candidature sera finalement invalidée en mars. Cette même année, Tony Allen décide de quitter le groupe.
En 1979, le second choc pétrolier provoque une nouvelle flambée des cours du brut. Pourtant, la manne pétrolière nigériane ne profite qu'à la petite caste au pouvoir. La corruption, qui tient lieu de mode de gouvernement, engraisse une poignée de richissimes potentats. La grande majorité des Nigérians ne bénéficieront jamais des retombées de l'exploitation de l'or noir, dont les cours s'effondrent à partir de 1981.
S.aderogba, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Fela et ses musiciens accèdent à la notoriété internationale au cours de la décennie 1980. L'orchestre tourne désormais très souvent en Europe (Allemagne, Italie, France, Belgique). Africa 70 a cédé la place à Egypt 80 qui se produit trois soirs par semaine au nouveau Shrine. Fela, le visage marqué de blanc, officie devant un autel consacré aux divinités africaines. Il ne jure plus que par le Professeur Hindu, un gourou magicien qui défend les thèses africanistes. Sous son influence, Fela s'enfonce toujours plus dans une paranoïa entretenue par le harcèlement policier. Le 11 décembre 1981, les forces spéciales opèrent une nouvelle descente dans le quartier général de Fela. Battu comme plâtre, blessé, il est incarcéré quinze jours sous l'accusation de vol à main armée. A sa sortie de prison, l'artiste compose Look and Laugh. "Obasanjo a passé la main au gouvernement de Shagari / Le gouvernement de Shagari a mené une politique sans queue ni tête pendant quatre ans / Pas plus d'eau que d'électricité avec Shagari / On dit que l'économie du pays s'effondre (...) / Que n'ai-je pas chanté sur ce pays / Chanté et rechanté / Jusqu'à ce qu'ils viennent / m'arrêter pour attaque à main armée / Je vois ça et je me marre, bien obligé (...) / Que n'ai-je pas chanté sur ce pays / Chanté et rechanté / Jusqu'à ce qu'ils viennent brûler ma maison / Toutes mes propriétés / En faire un grand feu / Me battre et me faire frapper / Tuer ma mère / Je vois ça et je me marre, bien obligé. (...)"
Les coups d'état succèdent aux coups d'état, mais quel que soit le nom du dictateur, la répression reste de mise. (7) Avec l'instauration d'un couvre-feu, les fêtes cessent, les clubs ferment, la musique se tait. Seul le Shrine continue ses activités. Le 4 septembre 1984 à l'aéroport de Lagos, alors qu'il s'apprête à embarquer pour la tournée américaine d'Egypt 80, Fela est pris en flagrant délit d'exportation de devises. Retour à la case prison pour une peine de 5 ans. L'annonce de la détention suscite un vaste mouvement de mobilisation. Amnesty International réclame la libération du "prisonnier d'opinion". En France, le groupe Jéricho, composé d'artistes réputés tels que Mory Kanté, Ray Lema, joue pour "faire tomber les murs qui enferment Fela." Finalement, le 24 avril 1986, après vingt mois de détention, l'artiste quitte sa geôle. Barclay publie alors un double 33-tours regroupant les morceaux Teacher don't teach me nonsense et Look and Laugh. Fela et sa troupe peuvent reprendre les tournées. Trois derniers albums sortiront encore (Beasts of no Nation en 1989, Overtake, don't overtake, overtake en 1990 et Underground system en 1992). Enfermé dans sa parano, Fela ne quitte plus sa maison. Son inspiration se tarit. Malade du sida, l'homme est emporté en quelques semaines. Il meurt le 2 août 1997. Ses obsèques suscitent une immense émotion.
* Un héritage immense.
Il faut attendre les années 2000, avec la réédition de ses disques, pour que l'héritage musical de Fela ne soit perçu à sa juste valeur hors d'Afrique. L’œuvre est fascinante, éminemment personnelle, chaque album liant le parcours du musicien avec la situation économique et sociale du Nigeria. Pléthorique, elle possède une incroyable cohérence stylistique, au point que la pulsation si particulière de sa musique est identifiable dès les premières secondes. Architecte des masses sonores, génie de l'arrangement pour vents, le saxophoniste apprécie la puissance de sections de cuivres hyper compactes. Par
sa musique, l'artiste cherche à provoquer l'effet de transe des rituels
animistes. L'afrobeat ingère la culture occidentale pour mieux développer une culture autonome, un procédé qui n'est pas sans évoquer le cannibalisme culturel défendu par Oswaldo de
Andrade dans son Manifeste anthropophage de 1928.
Le message politique et revendicatif des chansons de Fela - la
dénonciation de l'exploitation des ressources nationales par de grandes
firmes transnationales, du népotisme, des violences policières... - reste plus que jamais d'actualité au Nigeria ou pour les afro-descendants aux Etats-Unis. L'Afrobeat ne disparaît pas avec son créateur, loin s'en faut. Plusieurs générations d'instrumentistes prennent la relève de Fela.Deux de ses enfants, Femi et Seun, entretiennent l'héritage paternel. D'anciens musiciens de Fela continuent à entretenir la flamme à l'instar du batteur Tony Allen ou du guitariste Ogene Kologbo. La France, les Etats-Unis sont devenus des terres d'accueil du genre avec des formations telles que Ghetto Blaster, Fanga, SoulJazz Orchestra, Budos Band, Antibalas Afrobeat Orchestra... Longtemps méprisée ou ignorée, l’œuvre de Fela est redécouverte et honorée comme le prouve la grande exposition que lui consacre la Cité de la musique à Paris.
Notes:
1. Au cours de sa croisade en faveur du retour aux valeurs culturelles et traditionnelles de l'Afrique ancestrale, Fela s'opposera violemment à l'héritage grand-paternel.
2. En 1975, après neuf ans au sommet de l'Etat, ce dernier est destitué. Son successeur, Murtala Ramat Mohammed, est tué six mois plus tard. En 1979, le chef d’état-major Olusegun Obasanjo finit par remettre le pouvoir à un civil après quatre ans de règne, mais le chef d'État élu, Shehu Shagari, est renversé en 1983 par le général Muhammadu Buhari. Deux ans plus tard, ce dernier est à son tour évincé...
3. Le colonel Ojukwu proclame la sécession de la région orientale du Biafra, ce qui déclenche une guerre civile particulièrement meurtrière, de 1967 à 1970.
4. la langue d'échange populaire commune à toutes les ethnies du Nigeria.
5.Ils
utilisent ta merde pour te mettre en prison / Ils prennent ma merde
parce qu'elle vaut cher / Ils montrent ma merde, faut pas la perdre /
C'était de la bonne dope / Wey Alagbon!
6. Le 13 avril 1977, à 77 ans, Funmilayo Kuti succombe aux blessures infligées par sa défenestration.
7.
Lors du nouvel an 1984, le général Muhammadu Buhari organise un nouveau
coup d'état et met en place un régime d'une violence extrême. La junte
invente la "Guerre contre l'Indiscipline", s'arrogeant le droit de
détenir en prison tout suspect, indéfiniment et sans procès. Le
dictateur est renversé à son tour le 27 août 1987 par ses collègues du
Conseil militaire suprême sous la direction du général Ibrahim
Babangida. Ce dernier sera à son tour remplacé par le général Abacha,
avant que ne revienne au sommet de l'Etat Obasanjo en 1999.
Sources:
A. François Besignor:"Fela Kuti, le génie de l'Afrobeat", Éditions Demi-Lune, collection Voix du monde, 2012.
Ce blog, tenu par des professeurs de Lycée et de Collège, a pour objectif de vous faire découvrir les programmes d'histoire et de géographie par la musique en proposant de courtes notices sur des chansons et morceaux dignes d'intérêt.
:quality(70)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/gruponacion/NU6AXXJVBJBY5J6JJH2NS2ZNEU.jpg)
Articles
